"Dynamo" au Grand Palais, ou l’art d’hypnotiser en trois leçons

(12.04.2013)

Quatre commissaires d’exposition, 140 artistes occupant pour la première fois tous les espaces du Grand Palais (3 700 m2)… L’ampleur de l’événement "Dynamo", présenté du 10 avril au 22 juillet à Paris, est totalement inédite. Et l’effet garanti. Car l’exposition propose une expérience sensorielle exceptionnelle. A coups de couleurs vibrantes, de lumières aveuglantes, d’illusions optiques, vous voilà immergé dans un univers hypnotique mettant les sens à rude épreuve. Pourquoi et comment les artistes jouent-ils avec notre perception ? Réponse en quelques images. Epileptiques, s’abstenir !

Donner l’illusion du mouvement

L’art qui cherche à soumettre le spectateur à différentes illusions optiques a un nom : l’Op art (ou art optique). Son représentant le plus célèbre n’est autre que Victor Vasarely (1908-1997), artiste français d’origine hongroise dont vous connaissez déjà au moins une réalisation : c’est à lui que l'on doit le logo de Renault ! Vasarely commence dès les années 1940 à expérimenter des formules pour "dynamiser" l’art abstrait, en utilisant d'abord des motifs géométriques en noir et blanc. Résultat : des peintures comme celle-ci qui donnent une impression d’ondulation.

 

Le secret de l’artiste ? Il s’appuie sur les failles de notre perception visuelle. Nous ne pouvons avoir une vision parfaite d’une image aussi complexe : notre cerveau la corrige instinctivement. Ainsi, si vous fixez les points blancs entourés de noir, ils vous paraîtront blancs… mais deviendront gris si vous cherchez à avoir une vision d’ensemble, car votre œil "additionne" les zones blanches et noires qui les entourent. Cet effet de clignotement est encore plus frappant dans une illusion connue depuis plus d’un siècle, celle de "la grille d’Hermann".

La Britannique Bridget Riley, née en 1931, est une autre figure de proue de l’Op art. Après avoir étudié des techniques illusionnistes du XIXe siècle (comme celles des pointillistes, à l’honneur en ce moment au Musée des impressionnismes de Giverny), elle a cherché à rendre à sa façon l’impression de mouvement.

 

Ici, on le voit, c’est la répétition d’une forme simple qui donne une sensation de pulsation, d’ondulation. L’œil perçoit une vibration qui se propage dans toute l’image, et même une impression de relief, comme si cette peinture plate, simple (elle est seulement composée de lignes noires et blanches) prenait vie.

 

 

Ci-dessus, cette œuvre basée sur le même principe est signée de l’Italienne Marina Apollonio, née en 1940. Elle invente une forme fuyante dont on ne sait plus très bien si elle est concave ou convexe. Ce cercle tourbillonnant, géant, est posé sur le sol. De loin, on a le sentiment bizarre que le spectateur est happé par l’œuvre… pourtant totalement plate.

Jouer avec la couleur

Un autre artiste présente de drôles de cibles, mais en utilisant cette fois la couleur pour créer un effet de palpitation : Julio Le Parc. Cet Argentin de Paris, âgé aujourd’hui de 84 ans, est bien représenté au Grand Palais, et, hasard du calendrier, a droit à une grande rétrospective au Palais de Tokyo au même moment. 

 

 

Comme l’avaient déjà montré les pointillistes, on voit bien ici que des couleurs proches sur le cercle chromatique interagissent les unes avec les autres, créant un effet de vibration et de relief. Mais cette œuvre exprime aussi une vision politique. Le Parc est foncièrement opposé à l’idée que l’artiste est un génie isolé qui peut imposer sa vision personnelle au spectateur. Il cherche à éliminer méthodiquement tout ce qui relève de la subjectivité du peintre, en se contraignant, par exemple, à utiliser une palette très resserrée : seulement quatorze couleurs, immuables, qu’il agence de différentes manières (cette Surface couleur ne présente qu’une combinaison parmi des centaines d’autres, comme il l’explique sur son site). Il y a aussi chez lui (comme chez beaucoup d’autres artistes présents au Grand Palais) l’idée généreuse que l’œuvre est une invitation à jouer, à se laisser troubler, avant d’être une réflexion conceptuelle comprise par un petit cercle d’initiés. En somme, parler aux sens et au corps plutôt qu’au cerveau.

 

Si vous étiez jusqu’ici seulement pris de vertige, les œuvres d’Ann Veronica Janssens vont vous faire perdre totalement vos repères. Pour cette artiste belge née en 1956, tous les moyens sont bons pour nous immerger dans un univers surnaturel : stroboscopes, surfaces réfléchissantes… Ici, elle crée un brouillard artificiel coloré qui occulte l’espace (on ne voit même plus les murs de la salle dans laquelle on se trouve) et noie littéralement le spectateur dans la couleur. 

Manipuler l’espace

L’Italien Gianni Colombo (1937-1993) nous fait également pénétrer dans une œuvre perturbante. Pour voir son Espace élastique, il faut entrer dans une pièce découpée par un réseau de fils blancs qui s’entrecroisent, éclairés à la lumière noire.

 

Cette toile d’araignée, qui semble fixe, est en fait animée par de petits moteurs et bouge imperceptiblement, donnant l'impression que l'espace est en perpétuelle expansion. Gianni Colombo est le principal représentant italien de l’art cinétique (du grec kinêtikos, "qui se meut"), qui s’évertue à faire bouger les œuvres par des moyens mécaniques, grâce au vent… ou au spectateur lui-même. Le rapport entre l’art cinétique et l’Op art ? Ils tirent tous deux leurs origines de recherches sur la perception effectuées au début du XXe siècle, et ont connu leur heure de gloire dans les années 60. Ils étaient alors si populaires qu’ils ont pu s’enraciner dans de nombreux bâtiments publics. On pense par exemple à l’aménagement spectaculaire du palais de l’Elysée ou au dos des panneaux publicitaires, qui ont arboré pendant des années des créations de Vasarely.

Pour créer son illusion, Colombo plonge le spectateur dans l’obscurité. Le Californien Doug Wheeler, 73 ans, fait exactement l’inverse.

 

Ce perfectionniste crée ce qu’il appelle des "environnements infinis" en utilisant le réfléchissement de néons sur de simples murs blancs. Les surfaces planes prennent de la profondeur, à tel point que certains visiteurs touchent les murs pour vérifier qu’ils ne sont pas creux !

Informations pratiques :

"Dynamo"
du 10 avril au 22 juillet
au Grand Palais
3, avenue du Général-Eisenhower, 75008 Paris
Métro : Franklin-Roosevelt ou Champs-Elysées-Clemenceau.
9 euros / 13 euros
10 heures-20 heures, sf mer. (10 heures-22 heures)

A lire :

Avec ses 350 illustrations (surtout des œuvres, parfois mises en situation), le catalogue de l'exposition vous permettra de revivre les sensations de l’expo. Il donne aussi l’occasion d’aller plus loin en s’interrogeant sur les motivations de ces artistes, qui, peu de temps après la seconde guerre mondiale, comme l’explique la commissaire Marianne Le Pommeré, ont voulu créer des images universelles, éternelles, hors du monde, "qui élèvent par leur contemplation et apportent l’espoir". A noter qu’à la fin de l’ouvrage, des dossiers bien ficelés font le point sur certaines personnalités clés (Alexander Calder et ses "mobiles") ou mouvements (le Groupe ZERO, le Groupe de recherche d'art visuel…). Idéal pour approfondir le sujet.

Dynamo, collectif, éd. de la Réunion des musées nationaux, 368 p., 45 euros.

Source : Francetvinfo - Léo Pajon